EL PRINCIPITO

Publicado el 23/10/2012 por teatroabadia. Clip promocional de "El principito". 

Obra: "El principito" a partir del libro de A. de Saint-Exupéry. 

Dirección: Roberto Ciulli. 

Intérpretes: José Luis Gómez e Inma Nieto.

Producción: Teatro de la Abadía y Theater an der Ruhr. 

Pasó por la sala Concha Velasco (LAVA), Valladolid, el 1 de diciembre. De gira actualmente. 

Recomendada: a partir de 13 años. 

Crítica de teatro publicada en ABC (Castilla y León) el 6/XII/12: "LO ESENCIAL EN TEATRO"

Lo esencial en teatro

“El principito” a partir del libro de Saint-Exupéry. Dirección: Roberto Ciulli. Intérpretes: José Luis Gómez, Inma Nieto. Producción: Teatro de La Abadía y Theater an der Ruhr. Sala Concha Velasco. LAVA. Valladolid.

Julia Amezúa

Es sabido que Saint-Exupéry (1900-1943) no fue un escritor convencional; su biografía le muestra como un hombre de acción, aviador y piloto de guerra, aventurero en el desierto, con relaciones de amor tormentosas, como la que tuvo con su mujer, la salvadoreña Consuelo Suncín, la “rosa” de su historia. Saint-Ex (como le llamaban sus amigos) vivió al límite, luchando por superar el tedio y la rutina de lo cotidiano y por satisfacer su anhelo de belleza y de felicidad, mediante el vuelo y la fantasía. Tampoco José Luis Gómez es un actor común, como demuestran su formación y su trayectoria y este trabajo en el que su juego escénico conecta con el espíritu del francés, al mostrar que una de las funciones del teatro es revelar al espectador lo que está oculto en las palabras, dándole luz y abriéndole los ojos a lo invisible.

La versión de Ciulli se desarrolla en hora y diez minutos en un espacio circular (¿el desierto?, ¿el circo?, ¿la vida?) cubierto con una lona con objetos como dos bicis con alas, que pueden significar el avión caído en el desierto, los juegos de infancia de Saint-Ex y en cualquier caso, el medio para realizar el viaje, eje de las acciones de los personajes, como es eje de la vida del ser humano. Como en el desierto, nada sobra en el escenario, para que la mirada se dirija a lo esencial que revelan el diálogo y el juego actoral. En esta versión de “El principito”, el protagonista no es un niño, sino un hombre maduro, exiliado de su planeta, con sed insaciable (sea de anís o de belleza y amor), que en su último tramo vital recupera su visión de sí y de los otros y afronta la muerte. José Luis Gómez e Inma Nieto, con aire clownesco y ecos de Beckett, están magníficos en una interpretación lúdica, rica en matices. El veterano actor encarna al personaje en un trabajo íntegro de voz, lenguaje gestual y corporal y a su vez, Inma Nieto se multiplica (piloto, rey, rosa, farero, serpiente, zorro) con agilidad, lo que se traduce en escenas llenas de profundidad y magia, como la de la caprichosa e inestable rosa o la del seductor zorro. Largos aplausos. 

Guía didáctica de "El principito" por Teatro de la Abadía : accede a la guía que propone Teatro de la Abadía para trabajar esta obra en el aula. 

HELENA DE TROYA

Subido por teatroabadia el 11/10/2011

OBRA: "Juicio a una zorra". AUTORÍA Y DIRECCIÓN  de Miguel del Arco.  INTÉRPRETE: Carmen Machi. TEATRO CALDERÓN.  CRÍTICA PUBLICADA EN ABC, MEMORIA Y PALABRA

J. Amezúa

Miguel del Arco bebe en diversas fuentes sobre el mito de Helena de Troya (Homero, poemas del ciclo épico, Eurípides, etc.) para crear este texto cargado de referencias mitológicas (se ha colado una alusión gratuita al Dios cristiano) y dar voz a la mujer más bella del mundo. Helena de Esparta y de Troya toma la palabra, ese “poderoso soberano”, al decir de Gorgias de Leontino, para ajustar cuentas con Zeus, pues ¿qué le queda a una mujer cuya vida ha sido atropellada y devastada y cuyos actos han sido condenados, sino reivindicarse mediante la memoria y la palabra? Durante una hora asistimos a un monólogo en el que los recuerdos salen de su boca, empujados por la pócima egipcia que bebe con el vino y por la necesidad de liberar su dolor. En el recorrido de su vida, desde su nacimiento hasta la guerra de Troya, Helena denuncia las tropelías de dioses y héroes: su padre Zeus se metamorfosea en cisne para seducir a su madre Leda; un maduro Teseo abusa de la niña Helena; su marido Menelao se muestra primitivo y brutal; Agamenón, sin escrúpulos, sacrifica a su hija Ifigenia, y por doquier Helena es mirada con codicia y deseo. Tampoco se salva Paris, su gran amor, pues pierde el interés por ella con la guerra, y solo queda en buen lugar su cuñado Héctor, a quien admira. En su defensa, Helena justifica los motivos por los que abandonó marido e hija, desvela las causas que provocaron la guerra y denuncia los intereses de quienes escriben la historia.

El montaje lleva el sello de la dirección  de Miguel del Arco, con el cuidado de la escenografía en fondos oscuros y rojos, el protagonismo de la iluminación y de la música, con temas de “La bella Helena” de Offenbach. La mesa alargada con copas y botellas de vino sirve con eficacia al juego escénico de la actriz. Vestida de rojo y con melena rubia,  Carmen Machi muestra con habilidad los contrastes emocionales de esta Helena marchita, creciéndose a medida que ahonda en las múltiples heridas del personaje y que va cambiando de registro, saltando del dolor  a la broma. Así lo apreció el público con largos aplausos.

HAMLET DE LOS ANDES

    El pasado fin de semana la compañía boliviana Teatro de los Andes pasó por el Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) con su montaje  "Hamlet de los Andes", que merece mucho la pena ver. Esta es la crítica publicada en ABC, 19/11/2012: Sorprendente Hamlet:

“Hamlet de los Andes” de Diego Aramburo. Dirección: Diego Aramburo y Teatro de los Andes. Intérpretes: Lucas Achirico, Gonzalo Callejas y Alice Guimaraes. Sala Concha Velasco. LAVA. Valladolid.

Julia Amezúa

¿Quién es Hamlet?, ¿quién soy yo?, ¿quién eres tú?, ¿se puede vivir desarraigado?, ¿y si el fantasma del padre se niega a abandonarnos?, ¿hay elección entre ser o no ser?, ¿y si uno no es quien cree ser? Todas estas cuestiones, además de la traición, la venganza, la incertidumbre, el poder del teatro como despertador de conciencias, se plantean con talento y frescura en el montaje de los bolivianos Teatro de los Andes. Diego Aramburo (autor y director premiado en Bolivia) realiza una versión libre de la tragedia de Shakespeare, en la que la relación de Hamlet con su padre y Ofelia, la maldad de Claudio, la complicidad de Gertrudis, se conectan con las señas de identidad de la cultura andina. Pero este Hamlet instintivo y brutal, no responde solo al arapapita local, perdido en la ciudad boliviana entre vapores de alcohol, sino que en su desarraigo, herido de muerte en sus raíces, está muy próximo al hombre contemporáneo.

El resultado es un montaje de 90 minutos, de gran fuerza visual y dirección clara, que merece la pena ver. Pues nada sobra en esta puesta en escena en la que tres actores (en algunos momentos aparece un cuarto) se multiplican con energía y credibilidad, para interpretar diversos personajes y en la que se resuelven retos escénicos con un trabajo cuidado. Es el caso de la música en directo, del juego preciso de la luz que cobra importancia para matizar los movimientos internos de los personajes y marcar los espacios; con imaginación, se saca partido a los escasos elementos escenográficos, como las cortinas que se mueven para anunciar la llegada del espectro o la mesa, que tan pronto es caja mortuoria como tablero de crucifixión o carga y que esconde recovecos con los que juegan los actores. En conjunto, el montaje impacta y de modo particular escenas como la de Ofelia ahogándose en el caldero (el agua presente es fuente y término de vida), o la de Hamlet devorando el rostro de su padre o la divertida pelea entre los dos actores disfrazados de mujeres,  para interpretar el asesinato del rey Hamlet mientras dormía. Largos y merecidos aplausos. 

EL MONTAPLATOS

   El sábado pasó por el LAVA de Valladolid el último montaje de la compañía Animalario, sobre una obra del británico Harold Pinter. Esta es la crítica publicada en ABC (CyL) el 13/11/2012: Atrapados

“El montaplatos” de Harold Pinter. Traducción: Alberto San Juan. Dirección: Andrés Lima. Compañía: Animalario. Intérpretes: Guillermo Toledo,  Jesús Barranco. Sala Concha Velasco. LAVA. Valladolid.

Julia Amezúa

   Harold Pinter (1930-2008) escribió “El montaplatos” en 1959, una pieza en un acto en la que ya se reconocen los rasgos de su teatro: personajes encerrados y amenazados por el exterior (el piso superior en este caso), el absurdo y el lenguaje de quienes para evitar la comunicación con el otro, recurren a diálogos sobre asuntos banales, como las noticias del periódico (una niña mató un gato) o el estado de la vajilla, con frases inacabadas, repeticiones y discusiones como el empeño de Gus en aclarar si la cafetera se pone o se enciende. Progresivamente, conocemos que estos dos personajes atrapados como escarabajos en un agujero con dos camastros, una cocina sin gas y un baño con una cisterna que no funciona, son asesinos a sueldo que aguardan órdenes de un superior. En esta ratonera claustrofóbica, la espera es insufrible y ambos se ponen nerviosos: rebullen entre sábanas sucias y se pelean, hasta que irrumpen sucesos absurdos, como las cerillas que alguien de fuera arroja o los pedidos de comida que llegan en el montaplatos. ¿Quién es el misterioso hombre o la misteriosa organización que mueve los hilos? Pinter no lo dice; pero sí queda claro que estos hombres no son libres y ni siquiera se plantean serlo. Solo Gus, en apariencia el más dependiente, muestra cierto despertar en sus preguntas: ¿quién está arriba?, ¿qué quiere?, ¿por qué se encuentran en ese lugar? Sin embargo, tampoco es capaz de rebelarse e incluso permite que Ben le maltrate.

    Animalario resuelve la puesta en escena en hora y veinte minutos con la marca estética de sus últimos trabajos: la escenografía sobria con el plástico negro que envuelve el escenario, incluidas las butacas de las primeras filas, y dos actores que se baten a duelo y consiguen transmitir una tensión y agresividad crecientes. La luz y el sonido se encargan de mostrar el siniestro montaplatos y de sugerir la lobreguez del sótano (la gota de agua del grifo mal cerrado, los ruidos de cañerías). Barranco y Toledo se compenetran y transmiten el horror de su situación, sin que al espectador se le caiga la sonrisa de la boca. Aforo lleno y muchos aplausos. 

LA LOBA

Publicado el 15/04/2012 por centrodramatico001http://www.youtube.com/watch?v=VJcpV4oWtE

      Este fin de semana pasa por el Teatro Calderón de Valladolid "La loba" de Lillian Hellman, con Nuria Espert en escena; el montaje dura casi dos horas sin descanso. 

    En este enlace, se accede a una escena de la película "The little foxes" (el título original de la obra) con Bette Davis como Regina, el personaje que interpreta Espert. 

http://www.youtube.com/watch?v=ayXGM5TyRco

TEATRO EN EL LAVA

     El próximo fin de semana comienza la temporada teatral en el LAVA (Laboratorio de las Artes de Valladolid); en este artículo publicado en "Artes y Letras" comento brevemente los tres espectáculos teatrales para público adulto que están programados hasta fin de año: PROPUESTAS CONTEMPORÁNEAS

     Se trata de "El montaplatos" de Harold Pinter, el último montaje de la compañía Animalario; "Hamlet, de los Andes" de la compañía boliviana Teatro de los Andes y "El principito", que se acaba de estrenar en el Teatro de la Abadía. 

JEKYLL Y HYDE

     Desde sus inicios, la Feria de Teatro de Castilla y León mantiene sus vínculos con las compañías extremeñas, dos de las cuales participan en esta edición. Una de ellas es El Desván Teatro, que ha llevado a escena un montaje basado en "El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde" de R. L. Stevenson; puedes leer la crítica de teatro publicada en ABC (CyL) en la edición de hoy:  "¿Somos Jekyll y Hyde?"

“Jekyll” de Fernando Sansegundo, a partir de la obra de Stevenson. Dirección: Carlos Martínez-Abarca. Compañía: El Desván Teatro. Intérpretes: Domingo Cruz, Diego Ramos, Pepa Gracia, Noelia Benítez.  Feria de Teatro de Castilla y León.  Teatro Nuevo Fernando Arrabal. Ciudad Rodrigo.

Julia Amezúa

      Stevenson creó en “El extraño caso del dr. Jekyll y Mr. Hyde” el personaje de un  médico que descubre el fármaco que le permite transformarse en Hyde, un tipo perverso que acaba convirtiéndose en criminal (“mal puro” en palabras del autor) y destruyendo a Jekyll. Precisamente el dramaturgo Fernando Sansegundo parte de esta destrucción de Jekyll-Hyde que leemos en la novela de Stevenson para crear un texto nuevo, en el que introduce dos mujeres, la hermana de una víctima de Hyde y la hermana del doctor Lanyon, amigo de Jekyll. En la obra de Sansegundo, Jekyll resucita a Hyde para rehabilitarse socialmente y se enamora de una de las jóvenes que viven en la planta superior del edificio.  Pero Hyde no está dispuesto a ceder y escapa de su escondite en el laboratorio para asesinar, al tiempo que se apodera de la voluntad de Jekyll y amenaza a las mujeres. Además de la atmósfera de misterio y de la intriga creciente, el interés del montaje radica en un texto que invita a reflexionar sobre la cohabitación en la naturaleza humana del mal y del bien, la fascinación por el mal y los procesos de ocultación de la verdad sobre uno mismo (están muy bien las escenas en las que Hyde se mira en el espejo, mientras que a Jekyll le aterra mirarse, como le aterra asumir su responsabilidad en los crímenes de Hyde, que no deja de ser creación suya).

     La dualidad preside la puesta en escena de estética gótica, con vestuario de época y decorado decimonónico, con la división de los espacios en dos partes que reflejan los mundos de los personajes: a un lado, la habitación de las mujeres con el escritorio, donde se leen los diarios; a otro lado, el laboratorio donde habitan Jekyll y Hyde, espacio oscuro al que se accede traspasando la puerta oculta y descendiendo desde el piso de arriba. La interpretación actoral es correcta, aunque la falta de vocalización y proyección de voz en las actrices impidió la audición en algunos momentos; destaca Domingo Cruz con un trabajo matizado como Hyde, que muestra un personaje irónico y seductor, pero muy cruel. Teatro lleno y muchos aplausos.

MÁS SOBRE EL MONTAJE

a. video de "Jekyll" : es el video promocional del espectáculo, subido por la Feria de Teatro de Castilla y León; dura unos 3 minutos. 

EN CIUDAD RODRIGO

Divierteatro está dedicado este año a la magia

     Desde el martes 21, se está celebrando la 15 edición de la Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo, este año muy marcada por el fallecimiento el pasado 30 de mayo de quien fue su directora durante las 14 ediciones anteriores, Rosa María García Cano.

    Puedes leer una breve presentación de los trabajos de las compañías de Castilla y León que participan y un artículo dedicado a la memoria de Rosa en el nº 39 de "Artes y Letras" de Castilla y León, publicado el 28 de julio; está en las páginas 10-11:

La Feria sigue latiendo/ La sonrisa de la Feria

    Si no has estado nunca en esta ciudad, en la frontera con Portugal y a unos 85 kilómetros de Salamanca, te diré que vas a sorprenderte si la visitas por primera vez. Es monumental y bella. Los días de la Feria son especiales; siempre hace mucho calor y gente de todas las edades llena los diferentes espacios teatrales: el Teatro Nuevo Fernando Arrabal, el Espacio Afecir, el Patio de los Sitos, la Plaza de Herrasti, el Espacio en Rosa ( creado este año como homenaje a Rosa M. García Cano), las Plazas del Conde y del Buen Alcalde, etc. Una vez que traspasas sus murallas, otra vida comienza. 

ABRE EL OJO

TÍTULO Y AUTOR: "ABRE EL OJO" DE FRANCISCO DE ROJAS ZORRILLA.

VERSIÓN: YOLANDA PALLÍN. DIRECCIÓN: RAFAEL RODRÍGUEZ.

COMPAÑÍA: 2RC TEATRO. 

DURACIÓN: 100 MINUTOS.

DÓNDE: EN LA CORRALA DE OLMEDO, HOY DOMINGO, A LAS 22: 30 p.m. 

ENLACE CON OLMEDO CLÁSICO: Abre el ojo (contiene video con escenas de la obra). 

Subido por TeatroCuyas el 16/11/2011

Teatrae entrevista al director Rafael Rodríguez y a los actores de "Abre el ojo". Es un video didáctico, de interés para estudiantes y para todo el que se acerque a esta obra: se explica qué es un director de escena, por qué se ha trasladado esta comedia del Madrid Barroco al Carnaval de las Palmas en 1910, su relación con el Modernismo y de qué trata. Después, los actores presentan a sus personajes. 

OLMEDO CLÁSICO

    Julio es ya el mes de los Festivales de Teatro Clásico en España: Mérida, Almagro, Olite, Olmedo... De momento, puedes leer el artículo que he dedicado a la próxima edición de Olmedo Clásico en "Artes y Letras", 30 de junio de 2012, p. 11: 

Olmedo sigue en la brecha

    CUÁNDO: del 20 al 29 de julio.

    DÓNDE: Olmedo (Valladolid). 

    
    PRÓXIMOS ESPECTÁCULOS:


    Viernes, 20 de julio, Corrala del Palacio del Caballero, 23, 00 p.m., "Farsas y églogas" de L. Fernández,  Nao d'amores, en coproducción con CNTC: "Rescatando a Lucas Fernández"  (artículo publicado en "Artes y Letras", 31 de marzo de 2012, p. 9. 


        Sábado, 21 de julio, Corrala del Palacio del Caballero, 23, 00 p.m. "Noche de Reyes" de Shakespeare, dir. Eduardo Vasco: "Interesante Shakespeare", crítica publicada en ABC, CyL, 23 de enero de 2012. 

SOBRE EL BUSCÓN

Morfeo Teatro. "El Buscón". Subido por DafneCinema

DIAGNÓSTICO: HAMLET

http://www.youtube.com/watch?v=R5kuA5jcvvE
Subido por pelutimel el 08/11/2011

Miquel Gallardo presentó su montaje de títeres "Diagnóstico: Hamlet" en la última edición de Titirimundi, en Valladolid y Segovia. Puedes leer la crítica de teatro publicada hoy 23 de mayo en ABC (CyL):    "Encerrado" (ABC)

“Diagnóstico: Hamlet” de Miquel Gallardo. Compañía: Pelmanec Teatre.  Dirección: María Castillo. Intérprete: Miquel Gallardo. TITIRIMUNDI. Sala Concha Velasco. LAVA. Valladolid.

Julia Amezúa

              Después de “Don Juan. Memoria amarga de mí”, Miquel Gallardo recurre en “Diagnóstico: Hamlet”, presentado en Titirimundi 2012 en Valladolid y Segovia, a otro gigante de la literatura dramática universal. Todo es claustrofóbico y perturbador en el universo mental de Max Flaubert, un joven encerrado en la celda de un psiquiátrico, atormentado por traumas del pasado: la atracción sexual y el resentimiento hacia su madre, que evoca a la reina Gertrud de Dinamarca, la muerte repentina de su padre y la boda inmediata de la madre con el tío, que desencadenan en Max la duda y la sospecha de la traición. Pues los fantasmas del pasado irrumpen en el espacio reducido de la celda y el joven no tiene más remedio que esconderse dentro de un armario. Estas pesadillas que le persiguen de modo obsesivo son las marionetas de tamaño humano que representan a su madre o a su novia Ofelia o las imágenes proyectadas en  pantalla, que recuperan fragmentos del texto de Shakespeare y reflejan el espectro del padre que clama venganza.

              Asistimos, pues, a la ruptura y fragmentación psíquica de Max Flaubert,  que en busca de su identidad perdida, se desdobla en el príncipe Hamlet y en el psicólogo que le trata. Porque los traumas del pasado sin resolver, la duda existencial, el sentimiento de culpabilidad, se han apoderado de su cerebro con violencia y han abocado a Max a la locura y al aislamiento. En este sentido, se presenta muy bien el encerramiento físico y psíquico del personaje, que se refugia en el armario de la celda sobria, un espacio estrecho y completamente cerrado al contacto con el exterior. A su vez, su angustia y el desequilibrio mental se reflejan en el discurso compulsivo y desestructurado que mantiene Max con su doble. Gallardo arriesga, pues, con un montaje crudo y lo resuelve con habilidad, mediante la integración de las imágenes proyectadas en pantalla y el manejo con destreza y energía de las tres marionetas de tamaño humano, a las que dota de personalidad propia, con movimientos y voces diferentes.

LA ZORRA Y LAS UVAS

LA ZORRA Y LAS UVAS

Es voz común, que a más del medio día

en ayunas la zorra iba cazando:

halla una parra; quédase mirando

de la alta vid el fruto que pendía.

Causábala mil ansias y congojas

no alcanzar a las uvas con la garra,

al mostrar a sus dientes la alta parra,

negros racimos entre verdes hojas.

Miró, saltó y anduvo en probaduras;

pero vio el imposible ya de fijo.

Entonces fue cuando la zorra dijo:

"No las quiero comer. No están maduras".

No por eso te muestres impaciente.

Si se te frustra, Fabio, algún intento:

Aplica bien el cuento,

y di: No están maduras, frescamente. (Samaniego, IV, 6). 

HORS L' OMBRE

ESPECTÁCULO DE TITIRIMUNDI 2012

ESPECTÁCULO: HORS L 'OMBRE
COMPAÑÍA: LA PENDUE
DURACIÓN: 1 hora
EN EL LAVA, VALLADOLID, VIERNES, 20.30 p.m. EN SEGOVIA, LUNES 14 y MARTES 15, TEATRO DEL CENTRO CULTURAL. 

LEER CRÍTICA EN ABC (15/5/12): Hilos que nos mueven

      La compañía francesa La Pendue, conocida en Titirimundi por “Poli dégaine” (2008), participa en esta edición con un nuevo espectáculo que ya ha encandilado al público. Todo está a oscuras en el escenario, salvo el ángulo de Marion, la marioneta que nos guía en un mundo oscuro, habitado por extrañas marionetas ocultas tras  las cortinas, en los cajones y en la sombra, esperando que alguien las revele. Son “pedazos de mente”, fantasmas y recuerdos,  vivencias emocionales de otras “Marion” del pasado que constituyen su historia y la explican.

     Sucede pues, que viajamos a un universo onírico y emocional  siguiendo el recorrido de la intérprete y su criatura, bien conectadas (otro mérito del trabajo). Tras el despliegue inicial de sombras, van descubriéndose marionetas que muestran el nacimiento de Marion (hay un juego divertido con el cordón umbilical), la muerte de su madre (es muy bella la imagen del alma que sale del cadáver), su orfandad, su enamoramiento y felicidad (el tío vivo es toda una fiesta), la crueldad de la guerra (impactan la muerte del soldado y las bombas), el sarcasmo de la muerte en triciclo, hasta las escenas finales del vuelo libre con su amor en el columpio. De esta manera, fluye el ciclo de la vida del ser humano, pendiente de un hilo, entre el humor y la tragedia, la alegría y el dolor, el encuentro y la pérdida, como sugiere la sucesión de imágenes del espectáculo. El éxito de su puesta en escena, de una hora de duración, radica en la dramaturgia bien trabada y en el dominio de la técnica al servicio de la imaginación, hasta transformar el escenario en un espacio misterioso que arrastra al espectador. El recurso a la música, los sonidos y la luz (leve, nunca intensa) potencia las emociones que se expresan. Se comprende que los títeres hayan atraído al ser humano desde el principio de los tiempos, pues en manos hábiles, despiertan nuestro “hilo interior”, ese que nos mueve a descorrer las cortinas y encontrarnos cara a cara con las criaturas ocultas tras ellas.